En la lista publicada hay una serie de aspectos que merecen comentario:

La casa productora más premiada: Si bien sólo se trata de una preselección, llama la atención que la casa productora Fábula (Tony Manero, Fuga, La vida me mata) aparece con tres proyectos: “Todas íbamos a ser reinas”, “Joven y Alocada”, “Nena salúdame al Diego”. Yo entiendo postular varios proyectos para ver cuál queda, pero por favor, ¿le van a dar dos fondos a una sola empresa? ¿la idea es subsidiar o enriquecer?

Los ganadores con mejor currículum: ¿Porqué el Estado tiene que subsidiar a realizadores que cuentan con contactos y currículum de sobra para generar recursos? Si un cineasta logra ganar premios tan relevantes como El Goya, algo me dice que generar recursos para un nuevo éxito no le será tan difícil como a un nuevo realizador. Sin embargo, el Consejo Audiovisual no actúa como subsidio sino como inversionista, vale decir, en vez de dar la posibilidad a un nuevo realizador se la juega por aquel que garantiza su inversión. En este caso, la lista incluye nombres como Andrés Wood y  Silvio Caiozzi. Esto se podría comparar con que llegue una empresa establecida y postule a un ‘Capital Semilla’ del Corfo para ‘empezar a funcionar’. ¿Por qué no darle la opción a otro, si ellos ya tienen la infraestructura y la experiencia para conseguir recursos?

Cuestionable. Altamente cuestionable.

Hay historias que me gustaría haber conocido antes, haber ‘llegado primero’, para descubrirlas, para poder filmarlas. Hoy conocí una que me dió envidia y automáticamente me preocupó. Una buena historia se puede farrear en manos inapropiadas, pensé. Esperemos que con la historia de Teresa Wilms Montt no sea el caso. 

 Nacida en una familia conservadora de Viña, Teresa Wilms Montt siempre fue un caso especial, un ejemplo de rebeldía. Se casó a los 17 años sin la aprobación de sus padres, con Gustavo Balmaceda, quien luego la internaría en un convento al ver que su mujer se comenzaba a hacer conocida en el ambiente bohemio de la época y que era, para esos tiempos, una rebelde. Conocida por su belleza e inteligencia,  escapa a Argentina junto al mismísimo fundador de creacionismo, el poeta Vicente Huidobro. Al breve plazo, no sólo se hizo conocida, sino que muy querida en el ambiente intelectual argentino.   Cuenta la historia que vivió en Paris, viajó a Nueva York (dónde no pudo entrar por creer que se trataba de una espía alemana), publicó múltiples libros hasta que finalmente, ahogada por la pena de no ver a sus hijas, decidió suicidarse días antes de la Navidad de 1921. “Nada tengo, nada dejo, nada pido. Desnuda cono nací me voy, tan ignorante de lo que en el mundo había”, alcanzó a escribir.  

La historia de Teresa va a llegar al cine. Ojalá que no defraude, que la megaproducción no sea en vano. Que no desperdicien la historia. Tatiana Gaviola está a cargo y la siempre-linda Francisca Lewin la interpreta.  Al menos el trailer promete.

Desgraciadamente, López olvida aspectos claves desde el punto de vista dramático que terminan por pasarle la cuenta al espectador. Hay, por ejemplo, conflictos que no se desarrollan a cabalidad y que parecieran dejar de lado la progresión dramática en algunos personajes, lo cual termina por distanciar al espectador. Por otro lado, debo coincidir con la crítica (aunque no me guste) en la constatación de que Santos tiene una duda constante de tono.

 Es envidiable, no obstante, el sello que su director logra imprimir en la película. Esa marca tipo ‘quiéreme-ódiame’ que también tenía Promedio Rojo y que, a fin de cuentas, habla de un director con influencias claras y una mirada muy específica, pero que no transa, por muchas lucas que haya de por medio. 

Me ha costado seguir la pista de cada estreno chileno del año, en parte por falta de tiempo y –en gran parte- por que este año han habido más estrenos chilenos que nunca. Me la jugué por la menos publicitada, menos galardonada y quizás más chilena. Es cierto, no he visto las demás, pero éste es quizás uno de los largometrajes criollos más chilenistas que hay: sin sexo, sin lenguaje en coa, sin nada de aquello, logra capturar asuntos esenciales que otros no han sabido captar. “Secretos” de Valeria Sarmiento.

Sarmiento, directora y esposa de uno de los directores chilenos más comentados -pero menos vistos- del país, arma personajes propios de un Chile que se pone cada vez más divertido, donde las cosas y las formas de vida han cambiado, pero donde -en el fondo- seguimos siendo la misma tropa de seres más llenos de cararrajismo que de verdad, más del aparentar que del ser, más de fingir que de actuar.

La forma misma de la película no tenía mayor atractivo, incluso le encontré gustito a telefilm barato, sin embargo el trabajo de actores saca los aplausos que la cámara queda debiendo. Siempre es bueno ver a actores nacionales que no se repitan el plato y que vayan más allá de lo que hacen cada semestre en la teleserie de turno. Ojo con Valentina Muhr, gran actriz.

El tercer largometraje de Bize se perfilaba, al igual que sus largometrajes anteriores, como un experimento desafiante en todo sentido, con la diferencia de que este proyecto requeriría, aún más que los dos anteriores, un prolijo trabajo de guión, no a nivel de diálogos si no más bien de acciones. El resultado es interesante, sin embargo hay algo que pareciera no andar bien. No sabría decir si es el guión, la falta de unidad o que simplemente la película terminó como una buena idea que se quedó corta en su ejecución.

Como se ha sabido, la cinta se hizo en poco tiempo casi como desafío planteado por el DiBa (Festival de Cine digital de Barcelona), por lo tanto el guión tenía solo 30 páginas, promoviendo la improvisación actoral y limitando el trabajo de cámara prácticamente al seguimiento de los personajes. El problema es que la improvisación actoral funciona cuando director y actor conocen tan bien al personaje que tienen la seguridad para jugar y plantear cosas nuevas. En este sentido, siento que el apuro le jugó a Bize una mala pasada, ya que no logra dar del todo con personajes verdaderamente complejos y tridimensionales.

¿Qué le falta? Conflicto. No es que sea un maniático de la teoría del conflicto central ni mucho menos, pero analicemos:

La primera película de Matías Bize, ‘Sábado’, era un gran plano secuencia de 63 minutos que contaba la historia de una novia que descubría, el mismo día de su matrimonio, que su futuro marido tenía una amante y que además ésta última estaba embarazada. El guión de Sábado, estaba plagado de conflicto en todas sus escenas, había una lucha y una razón para luchar. 

‘En la Cama’, la segunda cinta de Bize, tenía a dos personajes que se venían conociendo, por lo tanto el guión estaba basado en el no conocerse, en el aprender del otro, y el conflicto finalmente se estructuraba sobre las vidas personales de cada uno, razón por la cual el espectador era oyente, junto a los protagonistas, de los problemas que cada personaje tenía.

A diferencia de la novia de ‘Sábado’ o la pareja de ‘En la Cama’, que al hablárselo todo para conocerse daban la excusa perfecta para que el espectador los conociera también, la pareja de ‘Lo bueno de llorar’ no tiene tema de conversación ni abre un espacio para que el espectador conozca y quiera a los personajes. El conflicto de la película se transforma entonces en una fotografía, con dos personajes que carecen del desarrollo que uno como espectador querría.

No obstante lo anterior, se trata de una película contemplativa, sincera, y a ratos sumamente emocionante. El ejemplo más claro quizás está en dos escenas: la primera y la escena del supermercado, donde la protagonista se manda un momento de aquellos que ponen los pelos de punta. Aunque a Bize le falta, pareciera ir por el buen camino.

Esta pequeña introducción al cine de Ruiz vale la pena para comentar (y entender) “Klimt”, su último estreno en Chile actualmente exhibiéndose en el Ciclo de Cine Europeo del Cine UC. La película ha recibido comentarios dispares en la prensa internacional desde su estreno el año 2006, sin embargo es una muestra bastante representativa de algunos rasgos en la filmografía del chileno que parecieran saltar a la vista tras ver, incluso como yo, pocas películas de su amplio currículum.

En “Klimt”, Ruiz homenajea la vida y obra del pintor vienés Gustav Klimt a través de un relato circular que parte cuando el pintor se encuentra viviendo sus últimos momentos, para luego meterse de lleno en la vida del pintor, su obsesión por Lea de Castro, sus problemas con la crítica, su lucha por la libertad artística y las discusiones que aquel tiempo de la Belle Epoqué se daban en torno a la creación artística.

Ruiz dice: “Esta película no es una biografía lineal de la vida y la época de Gustav Klimt. Es más bien una fantasía o, si lo prefieren, una fantasmagoría, como si fuera uno más de sus cuadros, donde se funden figuras materiales e imaginarias que revolotean en torno a un punto central: el pintor Klimt. Mi intención es servirme de las características estilísticas únicas de la obra de Klimt, la preponderancia de la belleza, el exceso de color, la distorsión espacial y los ángulos complejos, para dotar de vida e iluminar una de las épocas más ricas, contradictorias y extravagantes de la historia moderna”.

La película está llena de detalles y citas, sin intentar huir del homenaje a su personaje central. En ese sentido lamenté profundamente no haber llegado mejor preparado, académicamente hablando, para entender a cabalidad los “comentarios” que Ruiz hacía en la cinta.

Por último, casi a modo de reflexión, quería comentar sobre un aspecto central en el legado de Ruiz: la teoría del conflicto central. A modo de resumen, para quienes desconozcan de qué estoy hablando, les cuento que desde la Poética de Aristóteles, el conflicto se establece como base del drama y motor de la acción. Un personaje A (protagonista) quiere algo que el personaje B (antagonista) no quiere que obtenga. Ruiz, en su Poética del Cine, establece (en pocas palabras) que es innecesario tener conflicto puesto que la vida no es un eterno choque de fuerzas. Si bien para cualquiera esto puede sonar como aberración, da la sensación que el personaje de Klimt no responde siempre al conflicto y, sin embargo, no se hace aburrido. Ruiz le logra dar otra dimensión al relato, para algunos mala, para otros magistral, sin embargo incapaz de dejar ajeno al espectador que, incluso sin saber lo que está pasando, se siente profundamente atraído hacia la imagen y hacia el protagonista.

Del proyecto en sí no hablaré mucho por ahora, sin embargo lo que puedo comentar es lo bien que hace rodar fuera de Santiago. Viniendo de mí es algo sumamente extraño ya que, admitámoslo, soy intrínsecamente citadino. Sin embargo, rodar fuera de la ciudad fue algo así como un retiro, un descanso, un placer. Además, nada como un equipo pequeño para filmar. Es cierto, se trabaja el doble, pero hay algo familiar u hogareño en trabajar así. Pocos motivados haciendo más que cientos desmotivados.

Para terminar este brevísimo post, robo una cita del blog de Fuguet robada a su vez de el gran John Cassavettes que refleja mi propia postura, mi visión. Algo que siempre estuvo ahí pero que nunca lo podría haber puesto de mejor forma: “El cine es una investigación sobre nuestras vidas. Sobre lo que somos. Sobre nuestras responsabilidades –si las hay-. Sobre lo que estamos buscando. ¿Por qué querría yo hacer una película sobre algo que ya conozco y entiendo?”.

La costumbre de ver superhombres con superpoderes o bien con fortunas familiares, me hacía pensar que en éste subdesarrollado y curioso rincón del mundo jamás gozaríamos de la protección de un superhéroe. Afortunadamente, el director Ernesto Díaz y su partner Marco Zaror me demostraron estar equivocado, pues de su mente nacería un superhéroe que brilla por su sencillez económica y que, sin duda, habla con humildad del Chile actual.

Antes que todo debo confesar que tenía algo de miedo al entrar a ver la película. No por su contenido, sino por la idea -cada vez más consolidada en mi mente- de que, en el caso de las películas, una buena estrategia de marketing muchas veces se transforma en una gran desilusión en la sala, al punto de querer felicitar al publicista que creó la campaña pero golpear al director de la cinta. 

Afortunadamente, este no fue el caso. ‘Mirageman’ es una película de excelente nivel, con un guión no perfecto pero lejano también de la deficiencia, lleno de citas y homenajes a otras películas y, quizás lo mejor de todo, cargada con una gran cuota de humor dada por una mirada sincera a la idiosincrasia nacional. Mirageman es una película profundamente chilena, un retrato más costumbrista que muchas películas autodenominadas costumbristas, que refleja cómo se mueve la opinión pública actualmente. 

En términos meramente formales, merece comentario el hecho no menor de que Maco, el personaje principal interpretado por Zaror, habla poco o nada, dejando que la narración se lleve a cabo a través de las imágenes y luego gracias a los diálogos de quienes lo rodean y la información dada en la prensa. De esta forma, Maco se presenta como un outsider, un hombre que está en un mundo ajeno a él, donde los códigos de lo aceptado y lo no aceptado son complejos, casi innentendibles para el héroe.

Mirageman, desde su particular forma de humor y con un estilo setentero innegable, habla desde (y hacia) una sociedad donde los famosos duran poco (aunque se les escucha mucho) y donde cualquier acto de buena voluntad es tomado como una locura o despedazado como una idiotez. Quizás igual de terrorífico que Ciudad Gótica, Santiago se muestra como una ciudad poco amable donde pocos toman el riesgo que implica hacer el bien.  

Hace pocos días asistí a una conferencia en la PUC llamada “Marketing de Películas” el cual abordaba el siempre complejo problema de generar público para las películas nacionales con un enfoque diferente: cómo promocionar el cine nacional a bajo costo utilizando las nuevas herramientas que posee Internet. Todo parecía una simple conferencia hasta que Mirageman (y su estrategia) tomaron la palabra. 

 Fue el miércoles 9, a las 9.30 de la mañana en el aula magna del centro de extensión de la Católica. Hasta ese momento la conferencia había sido más bien lenta, con algunos atrasos y exposiciones que daban la sensación de quedar debiendo. Hasta que el siempre entretenido Fernando Acuña presentó a Javier Sanfeliú y Matías Camus, encargados de publicitar películas como Radio Corazón y Mirageman, quienes con un power point intentaban explicar la realidad que todos conocíamos: llevar gente a las salas no es cosa fácil. 

De pronto, del fondo de la sala, un tipo flaco y pelado increpó a los expositores. Fernando Acuña subió al micrófono e intentó mediar. El flaco pelado, sin oír aparentemente las llamados de paz de los exponentes, insistía diciendo que quiénes eran ellos para estar ahí adelante, qué el había hecho muchas más campañas que Feliú y Camus. El tipo se acercó al mesón de la conferencia dispuesto a todo cuando, de pronto, un tipo azul se acercó por la espalda y  con una admirable patada voladora dejó al pelado en el suelo, lo tomó y se lo llevó de la sala ante el aplauso del respetable. Era Mirageman, era marketing viral, era lo que se viene (o lo que hace mucho rato está).  

(los realizadores prometieron subir la intervención de Mirageman a Youtube, aquí está)

Sí, porque no hubo persona del público que no comentara lo que había visto. No sé cuantas personas habremos estado presentes, pero sin duda, Mirageman quedo grabado en la mente de todos, razón por la cual podemos encontrar diversos blogs (entre ellos el de Mitch Gómez y Analízame) donde los aplausos y el entusiasmo por la película no se hace esperar. 

¿Qué es el marketing viral? Wikipedia lo define como “términos empleados para referirse a las técnicas de marketing que intentan explotar redes sociales preexistentes para producir incrementos exponciales en “conocimiento de marca” (Brand Awareness), mediante procesos de autorreplicación viral análogos a la expansión de un virus informático”. Es decir, propagar a través de diferentes posibilidades ofrecidas por Internet, como blogs, Facebook, Messenger, u otros, un mensaje publicitario, pero OJO, no cualquier mensaje. Para que funcione es primordial que sea interesante. 

Tomemos, por ejemplo, la excelente campaña de MTV “Amo a Laura”. La idea era potenciar la imagen de MTV con un campaña que proponía todo lo contrario. Vale decir, la agencia a cargo hizo un sitio de una supuesta “Asociación Nuevo Renacer”, la cual abogaba por la castidad y otras virtudes, donde se planteaba a la cadena rockera como transgresora de los valores tradicionales. Además hicieron un conocido video llamado “Amor a Laura” donde se podía ver a dos parejas de ñoños que cantaban “amo a Laura, pero esperare hasta el matrimonio”…(ver en youtube) 

El video se expandió con una increíble velocidad y era el tema de conversación obligado, lo cual le valió a MTV aumentar cuantitativamente sus seguidores y a la agencia varios premios.  

La aplicación al cine de éste principio lo podemos ver en la cinta “Cloverfield”, del productor J.J. Abrams (productor de la archiconocida serie LOST), la cual ha hecho noticia con un trailer que pareciera grabado con una cámara casera, donde se ve cómo una despedida a un joven ejecutivo de Nueva York se transforma en la peor noche imaginable cuando “algo” (no se sabe bien qué) destruye Manhattan. J.J. Abrams, quien se ha caracterizado por manejar muy bien la tensión (al menos en LOST), ha dado una serie de pistas a la prensa y a los cibernautas, al punto de publicar fotos con supuestas pistas y un teaser bastante espeluznante, lo cual ha traído consigo una ola de comentarios en blogs y videos en Youtube con teorías de lo que podría ser ese “algo” que acaba con Manhattan. 

Sin duda, Internet propone todo un cambio en lo que a marketing se refiere. De lado quedó la campaña donde la agencia comunicaba y el cliente recibía el mensaje. Ahora, lo que muchos llaman Web 2.0 (es decir, la red ya no como un lugar de comunicación pasiva emisor-receptor, sino como un lugar de participación interactiva entre emisor y receptor) ha cambiado para siempre la forma de vender todo tipo de productos, incluyendo contenidos. Hoy en día, todos pueden hacer una campaña de marketing viral utilizando foros de Internet, Facebook, Blogs, etc, etc… las herramientas están a la mano, el tema es saber ocuparlas. 

¿Cómo participar del fenómeno? El Director Creativo de Tiempo BBDO, Andrés Martinez Echeverria, propone cinco reglas para entender y participar de las potencialidades del fenómeno:

1. Proponer un juego, dónde el usuario quiere investigar los que hay detrás de la propuesta.
2. Buscar la controversia, la notoriedad.
3. No ser excesivamente evidentes en la propuesta. Sugiere una cierta desvinculación con el concepto clásico de publicidad para mostrar la marca.
4. Plantear una estrategia para la campaña, a través de la cual se intenta que la gente haga lo que se quiere.
5. Sobre todo, no decepcionar. Hay muchas campañas de marketing viral que no dicen ni sugieren nada.

Y aquí, siguiendo la campaña, el trailer de Mirageman