¿Significa esto que no creo en la autoría en el cine? No. Porque la colaboración tiene como objetivo que una voz salga y esa no es otra que la del autor. Sin embargo creo que un director ‘dirige’ esfuerzos hacia un determinado lado para que su mensaje, su visión, salga al mundo. Y sí, es el responsable del producto final. Pero ese fruto que vemos, es tan propio del fotógrafo como del director. Piensen en ‘Psicosis’ sin la musica de Bernard Herrmann o, por dar un ejemplo, ‘Un tranvía llamado deseo’ sin Brando. Muy Elia Kazán será, pero la película no hubiese sido lo mismo.

Ahora, claro, la frase ‘una película de x’ lleva público a salas por la confianza que pusimos en un autor. Sin embargo, parte de ser talentoso (aunque a muchos les cueste) es reconocer el talento, rodearse de él y hacerlo remar a un lado determinado.

No hablo de los críticos y menos los espectadores. Finalmente, los críticos hacen su trabajo y los espectadores pagan su entrada (o su conexión a internet) y tienen derecho a decir lo que quieran. Me refiero aquí al ser que te habla de lo buen director (o músico, pintor, etc) que es, de los mil proyectos que tiene, y que -en el fondo- nunca ha hecho nada. Porque nunca le ha parecido que lo hecho sea realmente bueno (para haber salido de él), porque nunca se ha movido para hacerla, porque nunca… (excusas varias).

Esto no solo pasa en el cine. Escribir, pintar, componer musica, actuar, o cualquier expresión de arte no es fácil. Y hacer todo lo anterior de tal manera que sea calificado de arte es, con seguridad, doblemente complejo. Sin embargo, creo que parte importante de hacer es presentar, publicar, o mostrar lo que haces a alguien. Hay que ‘tirarse’ a la piscina. Ahí existe, de por sí, un valor. El ego saldrá herido, es cierto. Puede ser doloroso, sí, lo es. Pero está ahí, como una foto, una polaroid de el artista en esa etapa.

Hace meses leía el libro de Hitchcok escrito por Francoise Truffaut y me llamó mucho la atención como el mismo director, al ser consultado sobre ciertas películas, prefería pasar de largo y no hablar de ciertos proyectos, un poco avergonzado por haberlos hecho. O el mismo Martin Scorsese, al ser consultado por ‘The big shave’, (un cortometraje que hizo como estudiante en NYU) prefiere cambiar de tema.  Es obvio que después de concretar un libro, una película, una obra, uno encuentre errores o cosas que pudo haber hecho mejor. Pero mejor eso a creer haber hecho una obra maestra.

Lo clave es hacer. Sin pudor. ”El único hombre que no se equivoca es el que nunca hace nada”, decía Goethe.

Ok, no seamos tan malos: hay dos cosas que destacar de esta película: Saoirse Ronan, actriz que ya había aparecido en Expiación y cuyos ojos son -realmente- una ventana a su personaje. Lo mejores momentos de la película, principalmente al comienzo, vienen de sus ojos. Sin caer en cursilerías, llenan la pantalla y absorven la atención del espectador. Lo otro rescatable: Mark Whalbergh, uno de los actores con carreras más exóticas de Hollywood que varía entre grandes aciertos y tremendos errores. Desgraciadamente, aquí no lo podemos aplaudir como alguna vez hicimos en ‘Los infiltrados’, sin embargo aquí también destaca dentro de lo que su limitado rol le permite.

¿Qué falla en ‘Desde mi cielo’? Probablemente el no saber por qué género se deambula. La película es una mezcla entre película de niñas, un thriller y un drama familiar, sin embargo, Jackson no mantiene el tono de la historia, no sabe por cual pista deambular y se pierde. Comparemos, por su trama, con ‘Río Místico’: toca todos lo temas anteriores sabiendo que lo suyo es un género, un tono, un camino y es consecuente con eso.  Peter Jackson no sabe cual es su camino y el producto resulta un errante recorrido que traiciona al espectador.

No es que Avatar sea una mala película, pero vamos, es una mixtura de estereotipos narrativos envueltos en una forma atractiva pero que finalmente es eso, forma, lo cual ni se comparan a las reales sensaciones que la película de Bigelow genera en el espectador.

Por otro lado, mejor película extranjera se lo lleva otra gran cinta, la taquillera ‘El secreto de sus ojos’ quien además tuvo el pequeño gesto de mandar saludos a nuestros compatriotas daminificados por el terremoto.

¿Por qué creo que esta vez primó el cine? No es novedad que los Oscar generalemente van asociados a tremendas campañas de marketing y mucho lobby por parte de los estudios, sin embargo, este año -que en éstos términos quizás fui igual que los otros- los ganadores resultaron siendo grandes películas y no grandes fiascos. Por eso, está vez primó la calidad del cine.

Aquí, la lista de ganadores:

Mejor película: The Hurt Locker (Vivir al límite)

Mejor Director: Kathryn Bigelow (The Hurt Locker)

Mejor actor protagonista: Jeff Bridges
Mejor actriz protagonista: Sandra Bullock
Mejor actor de reparto: Christoph Waltz
Mejor actriz de reparto: Mo´nique
Película de animación: Up
Película de habla no inglesa: El secreto de sus ojos
Guión original: En tierra hostil
Guión adaptado: Precious
Dirección de fotografía: Avatar
Edición: En tierra hostil
Dirección artística: Avatar
Diseño de vestuario: La joven Victoria
Banda sonora: Up
Canción: ‘The weary kind’ de Corazón rebelde
Maquillaje: Star trek
Sonido: En tierra hostil
Edición de sonido: The Hurt Locker (Vivir al límite)
Efectos especiales: Avatar
Documental: The cove
Corto documental: Music by prudence
Corto de animación: Logorama
Cortometraje: The new tenants
Óscar honorífico: Lauren Bacall

‘Jean Luc Godard por Jean Luc Godard’ demuestra que Godard se pensaba a sí mismo como cineasta desde el primer momento ya que a través de una prosa ágil y cercana, plantea (y responde) temas tan potentes como ‘¿Qué es el cine? o bien da su mirada sobre cómo valorar el trabajo de un director. Godard tiene la capacidad para pensar el cine a través de películas no necesariamente buenas, al tiempo que es capaz de desentrañar defectos no en tono de condena, sino intentando comprenderlos y proponiendo soluciones.

No es de extrañar, entonces, que el cine francés de los llamados Cahiers haya alcanzado el grado de desarrollo que alcanzó, puesto que no se pensaba en términos de ‘box office’, ni en términos comerciales… se pensaba en términos de cine. En términos de un arte, no de una industria. La crítica de Godard se contruye desde lo positivo, tanto así que el francés confiesa en una entrevista que prefiere no comentar una película mala, pues sabe bien que no sería ninguna gracia destruir el trabajo ajeno por destruirlo. En cambio, Godard rescata sistemáticamente los descubrimientos de ciertos directores, sin ahorrar en elogios cuando corresponde y dando, de paso, clases magistrales sobre cine.

En una entrevista, Godard dice:

En mi calidad de crítico, yo me consideraba ya como un cineasta. Actualmente me considero todavía como un crítico y, en cierto sentido, lo soy todavía más que antes. En vez de hacer una crítica, hago un film, pero en él introduzco la dimensión crítica. Me considero un ensayista, es decir, hago ensayos en forma de novelas o novelas en forma de ensayos: sólo que, en vez de escribirlos, los filmo. Si el cine desapareciera, yo me resignaría: trabajaría para la televisión, y si la televisión desapareciera, volvería al papel y al lápiz. Para mí existe una gran continuidad entre todas las formas de expresión. Todas forman un bloque. El problema consiste en abordar ese bloque por el lado que más nos convenga.

En la lista publicada hay una serie de aspectos que merecen comentario:

La casa productora más premiada: Si bien sólo se trata de una preselección, llama la atención que la casa productora Fábula (Tony Manero, Fuga, La vida me mata) aparece con tres proyectos: “Todas íbamos a ser reinas”, “Joven y Alocada”, “Nena salúdame al Diego”. Yo entiendo postular varios proyectos para ver cuál queda, pero por favor, ¿le van a dar dos fondos a una sola empresa? ¿la idea es subsidiar o enriquecer?

Los ganadores con mejor currículum: ¿Porqué el Estado tiene que subsidiar a realizadores que cuentan con contactos y currículum de sobra para generar recursos? Si un cineasta logra ganar premios tan relevantes como El Goya, algo me dice que generar recursos para un nuevo éxito no le será tan difícil como a un nuevo realizador. Sin embargo, el Consejo Audiovisual no actúa como subsidio sino como inversionista, vale decir, en vez de dar la posibilidad a un nuevo realizador se la juega por aquel que garantiza su inversión. En este caso, la lista incluye nombres como Andrés Wood y  Silvio Caiozzi. Esto se podría comparar con que llegue una empresa establecida y postule a un ‘Capital Semilla’ del Corfo para ‘empezar a funcionar’. ¿Por qué no darle la opción a otro, si ellos ya tienen la infraestructura y la experiencia para conseguir recursos?

Cuestionable. Altamente cuestionable.

Comedian, documental dirigido por Christian Charles y producido por el mismo comediante, trata sobre el viaje que implica partir de cero. Pasar de la televisión a los mismos clubes en que el cómico se ganaba las risas por primera vez años atrás, probar material nuevo, buscar la seguridad y hacer reír con material nunca antes probado. En Comedian vemos a un sujeto que vuelve a enfrentar los mismos temores que en los ochentas le apretaban el estomago antes de subir a escena y que tiene la valentía de no valerse en material antiguo ya probado para demostrarse a sí mismo que puede hacer reír.

Además, Comedian muestra el camino del joven comediante Orny Adams y su paso de los clásicos clubs de comedia en NY a la televisión, pasando por las penurias de enfrentarse a un público en vivo, la posibilidad de conseguir un agente y lograr llegar a presentarse en ese trampolín de comediantes que son los talk shows.

Lo que más se agradece de Comedian es una narración ágil, un ritmo en todo momento ensalsado por el buen yazz y la mirada al backstage de una profesión compleja, en la que se trabaja horas por el mero premio de una risa.

Aquí, un pequeño clip que se ríe de los clichés del cines gringo.

Man on Wire está construido en base a relatos mismos de los protagonistas de esta historia, es decir Petit y sus amigos, mostrando como el espíritu del equilibrista francés logró motivar a sus secuaces, las miles de anécdotas que vivieron previo al momento, y finalmente como un artista es -en buen porcentaje- una expresión de voluntad en sí mismo, capaz de todo por llevar adelante su arte.

El documental es una alucinante invitación a jugásela, a vivir el presente y a soñar.

Cuando uno ve películas como ésta cae en el maldito juego de las expectativas ¿Cómo hablar suficientemente bien de una película para motivar que la gente la vea y al mismo tiempo no ser muy categorico para que al verla no hayan demasiadas expectativas que cumplir? Solo diré que como buena película que es, ‘Synecdoche, New York’ aguantó una segunda revisión. No solo la aguantó: me dio razones para una tercera. El debut en la dirección del genio Charlie Kaufman -guionista de Quieres ser John Malkovich y Adaptation- es una película sincera y sin pretensiones, que no teme meterse en aguas profundas.

La cinta está llena de referencias, pistas, rarezas. Desde el nombre de su protagonista hasta el extraño oficio de su primera esposa. Además cuenta con un casting de pelos: Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Michelle Williams, Jennifer Jason Leigh, Emily Watson, Dianne Wiest, entre otros, haciendo una de las más potentes películas del último… año, o cinco años. No sé. Es una reflexión sobre el arte, sobre el artista, sobre vivir en el arte. Sobre el tiempo. 

Kaufman propone, no solo entrega. Propone nuevas formas narrativas, mundos… lo cual no es ninguna novedad, a estas alturas es como su sello.

What was once before you – an exciting, mysterious future – is now behind you. Lived; understood; disappointing

Aquí el trailer: