Por un lado estoy en dos nuevos proyectos, una película propia que se viene, otra ajena que ya está, y de la que luego iré contando más. Por si no lo saben, esta es ‘Salvarte’, mi primer largometraje.

Con orgullo les puedo contar que en Chile ya está disponible en VTR On Demand, Bazuca, Blockbuster, y fuera de Chile, en exactamente tres semanas, estará disponible en Amazon VOD y en Itunes.

Cuando la propuesta visual está en pro de una buena historia, no solo fascina, sino que además narra a través de la imagen y, en el caso de Tim Burton, atrae. Sin embargo, luego de alucinar con la propuesta visual que se aprecia en los primeros minutos, el público queda a la espera de una buena historia. Luego de la colorida invitación a entrar en este mundo, el espectador quiere participar, pero en este caso la historia no es capaz de tentarnos. ¿Por qué?

Quizás algo tiene que ver el hecho que Burton asume que todos conocemos a los personajes de ‘Alicia…’ y esto le hace dar por sentado una serie de elementos en la trama que como espectador no conocemos. Si bien todos vimos alguna vez la película de Disney y otros leyeron el libro, Burton introduce personajes de ‘Alicia en el Espejo’ (obra menos popular que la anterior) como Reina Blanca y la Reina Roja, sin presentarlos a cabalidad, haciendo que nos importe menos lo que pasa entre ellas y, principalmente, su relación con Alicia.

Si Burton combina en otras películas sus dotes de creador de imagenes perfectas y gran narrador de historias, en ‘Alicia…’ parece olvidarse que lo visual no tiene sustento sin lo narrativo.

El argumento de mucha gente para despedazar la película es que una historia así no es propia de un director de la talla de Scorsese. Que algo como La isla siniestra la podría haber escrito un estudiante de primer año de cine y no puede haber salido de las manos de alguien que en otro momento nos brindó películas como Taxi Driver o Toro Salvaje. Sin embargo, luego de ver la película por segunda vez, estos argumentos se deshacen rápidamente y no es difícil notar que el director utiliza todos los recursos necesarios para cargar la narración cinematográfica de una estética imperfecta, sobrecargada, a ratos onírica y agotadora. A través del uso de jumpcuts, fondos poco camuflados (chroma) y una que otra clave visual que no comentaré para no embarrar la película a quienes no la han visto, el director nos va metiendo en una película muy particular, empapada desde su concepción visual del drama de su protagonista.

Abundan también los homenajes a Hitchcock. Se ha hablado del parecido del protagonista (interpretado por Leonardo Di Caprio) con el protagonista de Vértigo, la similitud en la subida del faro y en algunos planos evidentemente basados en la filmografía del director inglés. Entender esto es fundamental para situar la película en su debido contexto, como hija asumida de una tradición narrativa que su director ha idolatrado desde sus primeros años de jercicio y que en cada película que filma se va asomando más y más. Puede gustar o no, pero eso ya es otra cosa.

Son casi mundos diferentes: Mientras Wood imprime un gris moderno y (a ratos) deprimente que se mezcla con los colores del desarrollo y la modernidad, Trueba muestra una ciudad en que el gris se combina con otros colores oscuros que la impregnan de cierto romanticismo de otra época,  algo que quizás solo un extranjero podría darle.  En ‘El baile de la Victoria’ no existe el Santiago de tacos, metro, Transantiago, blackberrys y autopistas urbanas. Mas bien es una ciudad de cafés, clubs exóticos, céntricos hoteles, cines porno y antiguos avisos de neón. Trueba además se toma la licencia de acercar físicamente la ciudad al mar y a la cordillera, estableciendo la capital como una onírica ciudad a pasos de Los Andes y más cerca aún del mar.

Hay que decirlo: la película seduce. Miento si digo que no me costó ver esta nueva ciudad en pantalla, pero finalmente encanta con un tono poético en su narrativa y su forma de contar la historia con la cámara. Tueba sabe hacerlo, no es novedad, pero sumado a la fotografía de Julián Ledesma,  se lleva aplausos.

Ahora bien: no todo lo que brilla es oro. Si bien Abel Ayala hace un buen chileno de clase media baja educado, que lee autores japoneses y se enamora de una bailarina, a ratos se siente falta de manejo del lenguaje propio de su personaje. No es que hubiera preferido ver a un chileno sobreactuando un personaje de clase baja, simplemente creo que un actor chileno en ese personaje podría haber sido más coherente en algunas partes del film. Comentario aparte merece Miranda Bodenhofer con una actuación de Victoria, una humilde bailarina que quiere entrar al Municipal, quien en base a su cuerpo, y solo a eso, logra una actuación precisa. ¿Y Darín? Darín es Darín: siempre preciso. Aunque a ratos me gustaría verlo arriesgarse personificando mas rádicalmente un personaje.

Ok, no seamos tan malos: hay dos cosas que destacar de esta película: Saoirse Ronan, actriz que ya había aparecido en Expiación y cuyos ojos son -realmente- una ventana a su personaje. Lo mejores momentos de la película, principalmente al comienzo, vienen de sus ojos. Sin caer en cursilerías, llenan la pantalla y absorven la atención del espectador. Lo otro rescatable: Mark Whalbergh, uno de los actores con carreras más exóticas de Hollywood que varía entre grandes aciertos y tremendos errores. Desgraciadamente, aquí no lo podemos aplaudir como alguna vez hicimos en ‘Los infiltrados’, sin embargo aquí también destaca dentro de lo que su limitado rol le permite.

¿Qué falla en ‘Desde mi cielo’? Probablemente el no saber por qué género se deambula. La película es una mezcla entre película de niñas, un thriller y un drama familiar, sin embargo, Jackson no mantiene el tono de la historia, no sabe por cual pista deambular y se pierde. Comparemos, por su trama, con ‘Río Místico’: toca todos lo temas anteriores sabiendo que lo suyo es un género, un tono, un camino y es consecuente con eso.  Peter Jackson no sabe cual es su camino y el producto resulta un errante recorrido que traiciona al espectador.

Algunos me dirán que toda obra de detectives se cierra en los últimos minutos. De acuerdo. Sin embargo, si nos fijamos en cómo se narra cada capítulo de House -utilizado como ejemplo por las similitudes que comentamos- veremos que la respuesta al enigma siempre está ahí, presente, como un dato suficientemente presente como para marcarse pero no tanto para no ser obvio. Sin embargo, en el caso de la película Holmes,  las respuestas al enigma aparecen como ases bajo la manga sin ningún antecedente previo, lo cual -a ojos del espectador- se ve como una solución demasiado fortuita.

El estilo visual, eso sí, va en la línea de lo que Guy Ritchie había hecho antes y se agradece. El montaje, especialmente en la primera mitad y las actuación de Robert Downey Jr. hacen que la película sea entretenida de ver ya que logra agarrar una estética moderna, cool,  que desgraciadamente, va desapareciendo hacia el final de la película misteriosamente. Si hubiera terminado como empezó, quizas hubiese éste sido el comienzo de una saga entretenidísima.

De los creadores de la serie 24, se estrenó anoche para latinoamerica la serie Lie to Me (Miénteme), una producción de excelente factura -y por lo visto anoche, excelente guión- que sigue la senda trazada por Dr. House y horrorosamente caminada por ‘Mental’ sobre casos por desentrañar. Al igual que el médico de bastón, la serie se sustenta en un protagonista masculino potente, obsesivo, y genial encarnado por un actor a la altura de las circunstancias: Tim Roth.

La serie trata sobre el trabajo del Dr. Cal Lightman, un experto en psicología y lenguaje corporal inspirado en el científico Paul Ekman, cuya labor consiste en descubrir las verdades y mentiras que sus clientes -que incluyen desde empresas hasta agencias federales- necesitan develar.

‘Lie to me’ es una serie de primer nivel y la actuación de Tim Roth es genial. Sin embargo, corre el peligro de caer en la misma senda de Dr. House, CSI y otras series concentradas en un  grupo de expertos que busca la verdad y las dinámicas internas del grupo.  Sin embargo, el gran logro de la serie radica en un guión ágil, dinámico, que obliga al espectador a mantener un nivel de atención alto y no pasar por alto ningún detalle.

Una cita del escritor Chris Hedges al comienzo de la cinta traza el camino de lo que veremos en las siguientes dos horas: “The rush of battle is a potent and often lethal addiction, for war is a drug” (‘La prisa de la batalla es una potente y a menudo letal adicción, pues la guerra es una droga’). The Hurt Locker es una película de guerra, un retrato sin vaselina, crudo, sobre una guerra de la que se ha hablado mucho pero filmado poco: Iraq.

Construida en base a una potente investigación de su guionista (Mark Boal) y su directora (Kathryn Bigelow), The Hurt Locker narra las aventuras que a diario vive un escuadrón especializado en el desarme de bombas y explosivos en Iraq. Más que hablar sobre el conflicto, como lo hacía Leones por Corderos, la película retrata la experiencia misma de la guerra.  Se arma así un relato sofocante, agotador, sostenido principalmente en el suspenso que rodea la vida de estos hombres, expuestos sin cesar a la posibilidad de morir.

Filmada con cuatro cámaras al mismo tiempo, con un estilo documental  que hace que el tema resalte sin pintarlo mejor de lo que es por sí mismo, The Hurt Locker recuerda -guardando proporciones- a Full Metal Jacket, pues tiende a humanizar a los soldados al hacer que el espectador viva por sí mismo la experiencia surrealista que significa estar en guerra y como, sin siquiera quererlo, ese estilo de vida se transforma en el único posible después de vivirlo.

Como los mismos personajes, al final de la cinta, uno termina preguntándose dónde diablos quedó el sentido de todo esto y cómo la vida llegó a importar tan poco.

Con mucho tiempo -casi un año- de atraso, llegó a salas la última película de Michel Gondry, francés conocido por su trabajo en los videoclip y por la notable ‘Eterno resplandor de una mente sin recuerdos’. Se trata de un relato que irradia amor al cine, entendido como un arte de artesanos que quieren contar historias y ganar suficiente dinero como para seguir haciéndolas, sin más estímulo que el de disfrutar de una experiencia común.

‘Be kind rewind’ es un homenaje al cine chico, humilde, sencillo. A ese cine cuyos espectadores no están preocupados sobre si se pixeleó la mega explosión en el espacio o sí actúa la última actriz (o modelo, en defensa de actrices que actúan de verdad). Ese cine hecho de ganas, de amigos, de buenas intenciones, no de fondos o de tremendos planes de negocios. El espectador de este tipo de película es el que quiere ver y verse…

En el fondo, Be kind rewind apela a lo mismo que Cinema Paraiso alguna vez apeló, ese rescate del cine como una experiencia comunitaria, tan generadora de identidad como la plaza del pueblo o la feria de turno.

¿Qué le faltó para ser una tremenda película? Nada. Quizás le sobro Jack Black. El eterno gordito-simpático viene hace rato repitiendo la misma tecla, actuando del amigo-gordo-buena-onda que la caga (y luego salva). Personalmente me aburrí de ver el mismo personaje en diferentes películas como si fueran todas secuelas.

Algunas cifras (todas del Proyecto “Oferta y Consumo del Cine en Chile”): la película chilena más vista del 2008 fue ’31 Minutos’ con 218.376 espectadores.  Si comparamos con la más vista de Chile, Sexo con Amor, que tuvo 978.745 espectadores el 2003, veremos que el logro de la película de Aplaplac es bastante insignificante. Salgamos del cine chileno, porque el escenario para películas Hollywoodenses tampoco es tan bueno: la más vista del año 2008 fu Wall-e con 693.947 espectadores, mientras que la más vista del año 2004 fue Shrek 2 con 1.076.167. Es decir que en 4 años, las salas han ido perdiendo casi 400.000 espectadores… a 100.000 por año. 

¿Y las películas ganadoras? ¿las que salen en diarios? Las cifras demuestran que su paso por todos estos lugares no apoya -de manera importante al menos- su paso por salas. Tony Manero hizo 88.124 espectadores y La buena vida hizo menos de la mitad, 41.126

¿Dónde están los espectadores entonces?, ¿estamos dejando de ver cine? La gente está descargando, comprando pirata, viendo por la red. Alberto Fuguet, escritor-director-blogger, decidió abrir un sitio para albergar películas que la gente pueda ver, descargar, compartir, etc. ¿Lo mejor? Es gratis. Sin ilegalidad, sin robo, gratis.

Creo que es un momento interesante pero que abre tantas preguntas como el nacimiento del cine digital. Muchos hablaron de la llegada del cine digital como la democratización del cine. Ya no era un lujo de tres o cuatro, ahora cualquiera con una cámara y un pc podría hacer una película (que sea buena es otro tema). La gran pregunta es cómo hacer que esas películas sean vistas y que, dentro de lo posible, sean financieramente viables.

Al parecer, la creatividad no está solo en la creación misma, sino en cómo hacer, ser visto y vivir de ello.