Con el tiempo las formas de ver cine han ido cambiando: la televisión significó la quiebra de la sala de cine al dar entretención a la gente en sus casas; la aparición del video mejoró ésto dando a la gente la opción de ver lo que ellos querían ver, cuando quisieran y en las cantidades que les diera la gana; y ahora último, internet da la misma opción con dos grandes ventajas: el catalogo es gigante y no solo lo puedes ver en un solo medio, sino prácticamente en cualquier pantalla.

Al igual que con el VHS y el DVD, internet permite ver películas legal o ilegalmente. Por eso no extraña que Blockbuster haya cerrado. No fue, como dicen los medios, la piratería que los dejó en la quiebra. Fue no entender que se iba a acabar, tarde o temprano un formato y que tenían que renovarse. Ahora bien, lo cierto es que no quebraron. Simplemente se acogieron a una ley que permite –en lenguaje sencillo- condonar deudas y partir de cero. Esperemos que ahora

¿Significa esto que no creo en la autoría en el cine? No. Porque la colaboración tiene como objetivo que una voz salga y esa no es otra que la del autor. Sin embargo creo que un director ‘dirige’ esfuerzos hacia un determinado lado para que su mensaje, su visión, salga al mundo. Y sí, es el responsable del producto final. Pero ese fruto que vemos, es tan propio del fotógrafo como del director. Piensen en ‘Psicosis’ sin la musica de Bernard Herrmann o, por dar un ejemplo, ‘Un tranvía llamado deseo’ sin Brando. Muy Elia Kazán será, pero la película no hubiese sido lo mismo.

Ahora, claro, la frase ‘una película de x’ lleva público a salas por la confianza que pusimos en un autor. Sin embargo, parte de ser talentoso (aunque a muchos les cueste) es reconocer el talento, rodearse de él y hacerlo remar a un lado determinado.

No hablo de los críticos y menos los espectadores. Finalmente, los críticos hacen su trabajo y los espectadores pagan su entrada (o su conexión a internet) y tienen derecho a decir lo que quieran. Me refiero aquí al ser que te habla de lo buen director (o músico, pintor, etc) que es, de los mil proyectos que tiene, y que -en el fondo- nunca ha hecho nada. Porque nunca le ha parecido que lo hecho sea realmente bueno (para haber salido de él), porque nunca se ha movido para hacerla, porque nunca… (excusas varias).

Esto no solo pasa en el cine. Escribir, pintar, componer musica, actuar, o cualquier expresión de arte no es fácil. Y hacer todo lo anterior de tal manera que sea calificado de arte es, con seguridad, doblemente complejo. Sin embargo, creo que parte importante de hacer es presentar, publicar, o mostrar lo que haces a alguien. Hay que ‘tirarse’ a la piscina. Ahí existe, de por sí, un valor. El ego saldrá herido, es cierto. Puede ser doloroso, sí, lo es. Pero está ahí, como una foto, una polaroid de el artista en esa etapa.

Hace meses leía el libro de Hitchcok escrito por Francoise Truffaut y me llamó mucho la atención como el mismo director, al ser consultado sobre ciertas películas, prefería pasar de largo y no hablar de ciertos proyectos, un poco avergonzado por haberlos hecho. O el mismo Martin Scorsese, al ser consultado por ‘The big shave’, (un cortometraje que hizo como estudiante en NYU) prefiere cambiar de tema.  Es obvio que después de concretar un libro, una película, una obra, uno encuentre errores o cosas que pudo haber hecho mejor. Pero mejor eso a creer haber hecho una obra maestra.

Lo clave es hacer. Sin pudor. ”El único hombre que no se equivoca es el que nunca hace nada”, decía Goethe.

Son casi mundos diferentes: Mientras Wood imprime un gris moderno y (a ratos) deprimente que se mezcla con los colores del desarrollo y la modernidad, Trueba muestra una ciudad en que el gris se combina con otros colores oscuros que la impregnan de cierto romanticismo de otra época,  algo que quizás solo un extranjero podría darle.  En ‘El baile de la Victoria’ no existe el Santiago de tacos, metro, Transantiago, blackberrys y autopistas urbanas. Mas bien es una ciudad de cafés, clubs exóticos, céntricos hoteles, cines porno y antiguos avisos de neón. Trueba además se toma la licencia de acercar físicamente la ciudad al mar y a la cordillera, estableciendo la capital como una onírica ciudad a pasos de Los Andes y más cerca aún del mar.

Hay que decirlo: la película seduce. Miento si digo que no me costó ver esta nueva ciudad en pantalla, pero finalmente encanta con un tono poético en su narrativa y su forma de contar la historia con la cámara. Tueba sabe hacerlo, no es novedad, pero sumado a la fotografía de Julián Ledesma,  se lleva aplausos.

Ahora bien: no todo lo que brilla es oro. Si bien Abel Ayala hace un buen chileno de clase media baja educado, que lee autores japoneses y se enamora de una bailarina, a ratos se siente falta de manejo del lenguaje propio de su personaje. No es que hubiera preferido ver a un chileno sobreactuando un personaje de clase baja, simplemente creo que un actor chileno en ese personaje podría haber sido más coherente en algunas partes del film. Comentario aparte merece Miranda Bodenhofer con una actuación de Victoria, una humilde bailarina que quiere entrar al Municipal, quien en base a su cuerpo, y solo a eso, logra una actuación precisa. ¿Y Darín? Darín es Darín: siempre preciso. Aunque a ratos me gustaría verlo arriesgarse personificando mas rádicalmente un personaje.

Cualquiera que busque libros de cine en una librería chilena descubrirá que, de tener una sección dedicada al tema, generalmente es bastante limitada. Salvo contadas excepciones como la notable librería ‘Prólogo’ en el barrio Lastarria, la variedad que se encuentra en Chile es bastante mediocre. Por esto, Amazon es la salvación. Así llegó a mis manos uno de los grandes libros de cine que he leído hasta ahora: ‘Making Movies’ de Sidney Lumet. El director de ’12 Hombre en pugna’, ‘Dog Day Afternoon’, y ‘Serpico’, hizo una pausa en sus funciones (suma mas de 40 films) para sentarse a escribir sobre el verdadero trabajo del director. Desde lo que implica dirigir hasta aspectos tan mínimos pero finalmente elementales a la hora de hacer cine.

El libro de Lumet no es un manual ni menos una bitácora llena de secretos de grandes actores. Ofrece la información que solo la experiencia da y que cualquier estudiante de cine -al menos yo- hubiese querido tener antes de hacer su primera película. ¿Cómo no aprender de alguien como Lumet? Dirección de actores, la cámara, el rodaje mismo, la postproducción, el diseño de vestuario y decorados, todos estos temas son abordados desde la perspectiva del director y su servicio a la historia. Insisto: este libro no es un manual. Aquí no hay recetas, pero se encuentra la misma sabiduría que se hubiera recibido tomando un café con un director de la talla de Lumet.

Al abordar cada tema, Lumet da una mirada personal a ciertos aspectos que van desde su propio método de trabajo hasta la ideología tras ciertos aspectos del cine. Además, para quienes hayan visto películas del director, descubrirán una serie de elementos que acercan los resultados artísticos a un trabajo fino, de mucha cabeza, pero que finalmente vale la pena.

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¿De eso se trata no? ¿Estaré  bien encaminado?

Me deja tranquilo saber que cada vez que cuento de qué trata la película, alguien en algún rincón me responde que pasó por algo así o que conoce de alguien que vivió eso. Más allá de alimentar el ego –algo positivo, pues si alguien muere durante una película es tu propia autoestima-, se trata de saber que estás lidiando con temas que a alguien le importan y que a través del cine, indirectamente, los estás investigando.

Entonces te olvidas por un momento de los fondos concursables no ganados, de los auspiciadores que hay que perseguir por teléfono, de los presupuestos, de todo, y te acuerdas de ese primer momento, esa primera escritura, ese instante en que decidiste casarte con la película y decir ‘esto tiene que contarse’. Empiezas a buscar formas nuevas de narrar, escenas, líneas, motivaciones y te das cuenta que esa primera idea que tuviste fue una hipótesis de algo que, finalmente, te lleva por un camino sobre el que no tienes control y que acaba por enfrentarte con lo que será tu película.

El cine se vuelve en ese momento un salvavidas, el único bote desde el cual puedes remar. El único micrófono por el que hay que hablar (¿hay que hablar?) y, quizás, el único que te sirve para contar eso que quieres contar. Así vamos, así va este viaje. Un viaje “A la deriva”.

Una película nace de uno, de un individuo. Como una idea que da vueltas, que gira, que crece. Luego -algunos dirán para bien, otros para mal- necesita de otras personas que ayuden a llevarla a cabo. ¿Cómo hacer que no se muera la idea en manos ajenas?

Woody Allen dice: “Una película es como una planta. Una vez que plantas las semillas, comienza a crecer orgánicamente. El director debe crecer al mismo nivel si quiere verlo completado. Debe estar preparado para tomar en consideración todo tipo de cambio. También debe estar abierto a los puntos de vista de otras personas. Cuando escribes estás solo en una habitación con un pedazo de papel: puedes controlar todo. Una vez en el set, es otro cuento. Todavía estás en control, pero necesitas la ayuda de otra gente para lograr esto. Esto es algo que debes entender, aceptar y apreciar. Y tienes que trabajar con lo que tienes. La determinación es una cualidad, pero la intransigencia es un error”.

Un homenaje a esas ‘familias’ o matrimonios cinematográficos:

Scorsese – Thelma Schoomaker, Woody Allen-Charles H. Joffe, Cassavettes-Rowlands, etc…

No hay por dónde perderse. Si comparamos que el puro cuerpo de la famosa RED cuesta U$17.000 , los U$1.300 que cuesta una buena Nikon D90 (con lente zoom incluido) parecen un chiste. Es cierto, no es una ganga, pero si consideramos que nos da una imagen excelente, con lentes de primer nivel, y sensores cada vez más sensibles, no hay que quejarse.

Las cámaras DSRL tienen algunos ‘peros’ como la sensibilidad al movimiento que trae problemas al hacer cámara en mano y tarjetas de no mucha memoria, por lo que se recomienda tener varias. Sin embargo, una filmación bien planificada no debería tener problemas.

Para seguir leyendo, puede ver este artículo de Filmmaker Magazine o puede ver el corto que cuelgo acá.

Cuando uno ve películas como ésta cae en el maldito juego de las expectativas ¿Cómo hablar suficientemente bien de una película para motivar que la gente la vea y al mismo tiempo no ser muy categorico para que al verla no hayan demasiadas expectativas que cumplir? Solo diré que como buena película que es, ‘Synecdoche, New York’ aguantó una segunda revisión. No solo la aguantó: me dio razones para una tercera. El debut en la dirección del genio Charlie Kaufman -guionista de Quieres ser John Malkovich y Adaptation- es una película sincera y sin pretensiones, que no teme meterse en aguas profundas.

La cinta está llena de referencias, pistas, rarezas. Desde el nombre de su protagonista hasta el extraño oficio de su primera esposa. Además cuenta con un casting de pelos: Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Michelle Williams, Jennifer Jason Leigh, Emily Watson, Dianne Wiest, entre otros, haciendo una de las más potentes películas del último… año, o cinco años. No sé. Es una reflexión sobre el arte, sobre el artista, sobre vivir en el arte. Sobre el tiempo. 

Kaufman propone, no solo entrega. Propone nuevas formas narrativas, mundos… lo cual no es ninguna novedad, a estas alturas es como su sello.

What was once before you – an exciting, mysterious future – is now behind you. Lived; understood; disappointing

Aquí el trailer: