¿Significa esto que no creo en la autoría en el cine? No. Porque la colaboración tiene como objetivo que una voz salga y esa no es otra que la del autor. Sin embargo creo que un director ‘dirige’ esfuerzos hacia un determinado lado para que su mensaje, su visión, salga al mundo. Y sí, es el responsable del producto final. Pero ese fruto que vemos, es tan propio del fotógrafo como del director. Piensen en ‘Psicosis’ sin la musica de Bernard Herrmann o, por dar un ejemplo, ‘Un tranvía llamado deseo’ sin Brando. Muy Elia Kazán será, pero la película no hubiese sido lo mismo.

Ahora, claro, la frase ‘una película de x’ lleva público a salas por la confianza que pusimos en un autor. Sin embargo, parte de ser talentoso (aunque a muchos les cueste) es reconocer el talento, rodearse de él y hacerlo remar a un lado determinado.

No hablo de los críticos y menos los espectadores. Finalmente, los críticos hacen su trabajo y los espectadores pagan su entrada (o su conexión a internet) y tienen derecho a decir lo que quieran. Me refiero aquí al ser que te habla de lo buen director (o músico, pintor, etc) que es, de los mil proyectos que tiene, y que -en el fondo- nunca ha hecho nada. Porque nunca le ha parecido que lo hecho sea realmente bueno (para haber salido de él), porque nunca se ha movido para hacerla, porque nunca… (excusas varias).

Esto no solo pasa en el cine. Escribir, pintar, componer musica, actuar, o cualquier expresión de arte no es fácil. Y hacer todo lo anterior de tal manera que sea calificado de arte es, con seguridad, doblemente complejo. Sin embargo, creo que parte importante de hacer es presentar, publicar, o mostrar lo que haces a alguien. Hay que ‘tirarse’ a la piscina. Ahí existe, de por sí, un valor. El ego saldrá herido, es cierto. Puede ser doloroso, sí, lo es. Pero está ahí, como una foto, una polaroid de el artista en esa etapa.

Hace meses leía el libro de Hitchcok escrito por Francoise Truffaut y me llamó mucho la atención como el mismo director, al ser consultado sobre ciertas películas, prefería pasar de largo y no hablar de ciertos proyectos, un poco avergonzado por haberlos hecho. O el mismo Martin Scorsese, al ser consultado por ‘The big shave’, (un cortometraje que hizo como estudiante en NYU) prefiere cambiar de tema.  Es obvio que después de concretar un libro, una película, una obra, uno encuentre errores o cosas que pudo haber hecho mejor. Pero mejor eso a creer haber hecho una obra maestra.

Lo clave es hacer. Sin pudor. ”El único hombre que no se equivoca es el que nunca hace nada”, decía Goethe.

The Hunt for Gollum

Increíble precuela del Señor de los Anillos.

Trailer modelo para ganar el Oscar

A pesar de lo absurdo, la realización es innegablemente buena.

Batman

Cuando la propuesta visual está en pro de una buena historia, no solo fascina, sino que además narra a través de la imagen y, en el caso de Tim Burton, atrae. Sin embargo, luego de alucinar con la propuesta visual que se aprecia en los primeros minutos, el público queda a la espera de una buena historia. Luego de la colorida invitación a entrar en este mundo, el espectador quiere participar, pero en este caso la historia no es capaz de tentarnos. ¿Por qué?

Quizás algo tiene que ver el hecho que Burton asume que todos conocemos a los personajes de ‘Alicia…’ y esto le hace dar por sentado una serie de elementos en la trama que como espectador no conocemos. Si bien todos vimos alguna vez la película de Disney y otros leyeron el libro, Burton introduce personajes de ‘Alicia en el Espejo’ (obra menos popular que la anterior) como Reina Blanca y la Reina Roja, sin presentarlos a cabalidad, haciendo que nos importe menos lo que pasa entre ellas y, principalmente, su relación con Alicia.

Si Burton combina en otras películas sus dotes de creador de imagenes perfectas y gran narrador de historias, en ‘Alicia…’ parece olvidarse que lo visual no tiene sustento sin lo narrativo.

El argumento de mucha gente para despedazar la película es que una historia así no es propia de un director de la talla de Scorsese. Que algo como La isla siniestra la podría haber escrito un estudiante de primer año de cine y no puede haber salido de las manos de alguien que en otro momento nos brindó películas como Taxi Driver o Toro Salvaje. Sin embargo, luego de ver la película por segunda vez, estos argumentos se deshacen rápidamente y no es difícil notar que el director utiliza todos los recursos necesarios para cargar la narración cinematográfica de una estética imperfecta, sobrecargada, a ratos onírica y agotadora. A través del uso de jumpcuts, fondos poco camuflados (chroma) y una que otra clave visual que no comentaré para no embarrar la película a quienes no la han visto, el director nos va metiendo en una película muy particular, empapada desde su concepción visual del drama de su protagonista.

Abundan también los homenajes a Hitchcock. Se ha hablado del parecido del protagonista (interpretado por Leonardo Di Caprio) con el protagonista de Vértigo, la similitud en la subida del faro y en algunos planos evidentemente basados en la filmografía del director inglés. Entender esto es fundamental para situar la película en su debido contexto, como hija asumida de una tradición narrativa que su director ha idolatrado desde sus primeros años de jercicio y que en cada película que filma se va asomando más y más. Puede gustar o no, pero eso ya es otra cosa.

Son casi mundos diferentes: Mientras Wood imprime un gris moderno y (a ratos) deprimente que se mezcla con los colores del desarrollo y la modernidad, Trueba muestra una ciudad en que el gris se combina con otros colores oscuros que la impregnan de cierto romanticismo de otra época,  algo que quizás solo un extranjero podría darle.  En ‘El baile de la Victoria’ no existe el Santiago de tacos, metro, Transantiago, blackberrys y autopistas urbanas. Mas bien es una ciudad de cafés, clubs exóticos, céntricos hoteles, cines porno y antiguos avisos de neón. Trueba además se toma la licencia de acercar físicamente la ciudad al mar y a la cordillera, estableciendo la capital como una onírica ciudad a pasos de Los Andes y más cerca aún del mar.

Hay que decirlo: la película seduce. Miento si digo que no me costó ver esta nueva ciudad en pantalla, pero finalmente encanta con un tono poético en su narrativa y su forma de contar la historia con la cámara. Tueba sabe hacerlo, no es novedad, pero sumado a la fotografía de Julián Ledesma,  se lleva aplausos.

Ahora bien: no todo lo que brilla es oro. Si bien Abel Ayala hace un buen chileno de clase media baja educado, que lee autores japoneses y se enamora de una bailarina, a ratos se siente falta de manejo del lenguaje propio de su personaje. No es que hubiera preferido ver a un chileno sobreactuando un personaje de clase baja, simplemente creo que un actor chileno en ese personaje podría haber sido más coherente en algunas partes del film. Comentario aparte merece Miranda Bodenhofer con una actuación de Victoria, una humilde bailarina que quiere entrar al Municipal, quien en base a su cuerpo, y solo a eso, logra una actuación precisa. ¿Y Darín? Darín es Darín: siempre preciso. Aunque a ratos me gustaría verlo arriesgarse personificando mas rádicalmente un personaje.

Cápsula:

Eso es este libro, una forma de tragar sabores amargos. Tanto para quien lo escribe como para quien lo lee. Se recomienda una pequeña dosis para sentir sus efectos. Y lo mejor de todo: es gratis.

Lea ‘Cápsulas blandas’

Ok, no seamos tan malos: hay dos cosas que destacar de esta película: Saoirse Ronan, actriz que ya había aparecido en Expiación y cuyos ojos son -realmente- una ventana a su personaje. Lo mejores momentos de la película, principalmente al comienzo, vienen de sus ojos. Sin caer en cursilerías, llenan la pantalla y absorven la atención del espectador. Lo otro rescatable: Mark Whalbergh, uno de los actores con carreras más exóticas de Hollywood que varía entre grandes aciertos y tremendos errores. Desgraciadamente, aquí no lo podemos aplaudir como alguna vez hicimos en ‘Los infiltrados’, sin embargo aquí también destaca dentro de lo que su limitado rol le permite.

¿Qué falla en ‘Desde mi cielo’? Probablemente el no saber por qué género se deambula. La película es una mezcla entre película de niñas, un thriller y un drama familiar, sin embargo, Jackson no mantiene el tono de la historia, no sabe por cual pista deambular y se pierde. Comparemos, por su trama, con ‘Río Místico’: toca todos lo temas anteriores sabiendo que lo suyo es un género, un tono, un camino y es consecuente con eso.  Peter Jackson no sabe cual es su camino y el producto resulta un errante recorrido que traiciona al espectador.

No es que Avatar sea una mala película, pero vamos, es una mixtura de estereotipos narrativos envueltos en una forma atractiva pero que finalmente es eso, forma, lo cual ni se comparan a las reales sensaciones que la película de Bigelow genera en el espectador.

Por otro lado, mejor película extranjera se lo lleva otra gran cinta, la taquillera ‘El secreto de sus ojos’ quien además tuvo el pequeño gesto de mandar saludos a nuestros compatriotas daminificados por el terremoto.

¿Por qué creo que esta vez primó el cine? No es novedad que los Oscar generalemente van asociados a tremendas campañas de marketing y mucho lobby por parte de los estudios, sin embargo, este año -que en éstos términos quizás fui igual que los otros- los ganadores resultaron siendo grandes películas y no grandes fiascos. Por eso, está vez primó la calidad del cine.

Aquí, la lista de ganadores:

Mejor película: The Hurt Locker (Vivir al límite)

Mejor Director: Kathryn Bigelow (The Hurt Locker)

Mejor actor protagonista: Jeff Bridges
Mejor actriz protagonista: Sandra Bullock
Mejor actor de reparto: Christoph Waltz
Mejor actriz de reparto: Mo´nique
Película de animación: Up
Película de habla no inglesa: El secreto de sus ojos
Guión original: En tierra hostil
Guión adaptado: Precious
Dirección de fotografía: Avatar
Edición: En tierra hostil
Dirección artística: Avatar
Diseño de vestuario: La joven Victoria
Banda sonora: Up
Canción: ‘The weary kind’ de Corazón rebelde
Maquillaje: Star trek
Sonido: En tierra hostil
Edición de sonido: The Hurt Locker (Vivir al límite)
Efectos especiales: Avatar
Documental: The cove
Corto documental: Music by prudence
Corto de animación: Logorama
Cortometraje: The new tenants
Óscar honorífico: Lauren Bacall

Cualquiera que busque libros de cine en una librería chilena descubrirá que, de tener una sección dedicada al tema, generalmente es bastante limitada. Salvo contadas excepciones como la notable librería ‘Prólogo’ en el barrio Lastarria, la variedad que se encuentra en Chile es bastante mediocre. Por esto, Amazon es la salvación. Así llegó a mis manos uno de los grandes libros de cine que he leído hasta ahora: ‘Making Movies’ de Sidney Lumet. El director de ’12 Hombre en pugna’, ‘Dog Day Afternoon’, y ‘Serpico’, hizo una pausa en sus funciones (suma mas de 40 films) para sentarse a escribir sobre el verdadero trabajo del director. Desde lo que implica dirigir hasta aspectos tan mínimos pero finalmente elementales a la hora de hacer cine.

El libro de Lumet no es un manual ni menos una bitácora llena de secretos de grandes actores. Ofrece la información que solo la experiencia da y que cualquier estudiante de cine -al menos yo- hubiese querido tener antes de hacer su primera película. ¿Cómo no aprender de alguien como Lumet? Dirección de actores, la cámara, el rodaje mismo, la postproducción, el diseño de vestuario y decorados, todos estos temas son abordados desde la perspectiva del director y su servicio a la historia. Insisto: este libro no es un manual. Aquí no hay recetas, pero se encuentra la misma sabiduría que se hubiera recibido tomando un café con un director de la talla de Lumet.

Al abordar cada tema, Lumet da una mirada personal a ciertos aspectos que van desde su propio método de trabajo hasta la ideología tras ciertos aspectos del cine. Además, para quienes hayan visto películas del director, descubrirán una serie de elementos que acercan los resultados artísticos a un trabajo fino, de mucha cabeza, pero que finalmente vale la pena.

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